Stil und Musik Glam Rock

Der Glamrock mit seiner Art: Glitzerkleidung, Gitarrensoli und vor allem völlig schräge Stile, sorgte in den frühen 1970er Jahren für Aufsehen. Aber was genau ist Glam Rock? Ist es ein Musikstil oder eher ein eigener Modestil?

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Manchmal auch als „Glitter Rock“ bezeichnet, ist Glam Rock ein Genre, das in den 1970er Jahren aufkam und stilistisch gewagte Kostüme und Männer-Make-up kombinierte. Aber auch theatralisch gestaltete Musik und Konzerte, die schockieren sollten. David Bowie ist einer der Künstler, die diese Gegenkultur, die Ende der 1970er Jahre in Großbritannien entstand, kreiert haben.

In diesem Artikel erfährst du, was Glam Rock in musikalischer Hinsicht ist, aber auch in Bezug auf den Stil. Wir werden uns ansehen, wer zum Aufstieg dieses Stils beigetragen hat. Außerdem werden die 20 größten Glam-Rock-Musikstücke und -Alben vorgestellt. 🎸

Fangen wir gleich an!

Ein echter Glamrock-Fan geht nie ohne sein rockiges Totenkopf-T-Shirt aus dem Haus.

Definition von Glam Rock

In Bezug auf die Musik selbst Glamrock-Bands waren die wichtigste Alternative zu den aufkommenden Genres Progressive Rock und Heavy Metal, mit Songs, die an den guten alten Rock ’n‘ Roll der 50er und 60er Jahre erinnerten. Der gleiche, der vielen Glam-Bands die gleiche Art von Teenagerpublikum einbrachte, wie es die Beatles und die Rolling Stones im Laufe des letzten Jahrzehnts.

Was den Glam-Rock wirklich identifiziert und unterscheidet, ist die Aufmerksamkeit, die er dem Image widmet. Es war die Zeit der skurrile Kostüme und theatralische Possen auf der Bühne, die oft stark sexualisiert waren. So wie die Musik oft die rebellische Haltung des Rock heraufbeschwören zu wollen schien, so zielten auch die Mode und die energiegeladenen Auftritte darauf ab, ihn in übergroße Größe zu kleiden. 🕺

Glam-Rock war vor allem in Großbritannien beliebt, wo das Genre in drei Untergattungen unterteilt wurde. Für Kunstliebhaber gab es die Kunststile von David Bowie dans son personnage de Ziggy Stardust. Die Teenager liebten Rock-and-Roll-Bands wie T. Rex, Gary Glitter, Mott the Hoople und Showaddywaddy. Schließlich gab es härtere Bands wie Slade, Sweet und die letzten Werke von Queen, deren Verschmelzung von Pop-Melodien mit lauten Gitarren und Schlagzeug zehn Jahre später einen bedeutenden Einfluss auf den Hair Metal haben sollte.

Auch wenn seine Blütezeit längst vorbei ist, hatte der Glam Rock einen großen Einfluss auf die Entwicklung der Volksmusik. Hair Metal ist ein offensichtliches Ergebnis, aber es wäre auch schwierig, eine britische Punkrock-, Post-Punk-, New Romantic-, New Wave Music- oder Goth-Rock-Band zu finden, die nicht von Bowie oder Bryan Ferry beeinflusst wurde. Während der einfache Stil und der bewusste Umgang mit Bildern einen großen Einfluss auf den Britpop und viele zeitgenössische Independent Rocks hatten.

Anderer Name: Glitter Rock

Glam Rock, auch bekannt als „Glitter Rock“, entstand Anfang der 1970er Jahre in Großbritannien und feierte die Inszenierung von Rockstars und ihren Auftritten. Oft mit Glitzer bestäubt, betraten die Musiker die Bühne mit Make-up und Frauenkleidern, nahmen theatralische Persönlichkeiten an und montierten glamouröse Musikproduktionen oft durch den Futurismus des Weltraumzeitalters charakterisiert. 💅🏻

Der selbstverherrlichende und dekadente Glam Rock positionierte sich als Gegenbewegung zum Rock-Mainstream der späten 1960er Jahre. Am Rande der Gesellschaft und der Rockkultur stehend, rebellierten die Glamrocker, wie der Kritiker Robert Palmer es ausdrückte, „gegen die Rebellion“. Im Zentrum des Glamrock stand ein schwerer Gitarrensound, der von Hardrock und Pop geformt wurde, obwohl die Bewegung auch Verkörperungen von Heavy Metal, Art Rock und Punk hatte.

David Bowie, einer der wichtigsten Anhänger dieser Bewegung, setzte den Standard, indem er The Man Who Sold the World im Jahr 1970, und The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars im Jahr 1972. Andere Künstler, die mit dem britischen Glamour in Verbindung gebracht werden, sind u. a. Elton John, Queen, Roxy Music, the Sweet und Anfang der 1980er Jahre Culture Club. Lou Reed von Velvet Underground startete seine Solokarriere und den amerikanischen Glamour mit Transformer (1972), der von Bowie mitproduziert wurde.

In den USA nahm der Glamour mit den Proto-Punk-Stilen der New York Dolls und dem glitzernden Hardrock von Kiss und Alice Cooper eine härtere Wendung. In den 1980er Jahren verwandelte sich der Glamour in Heavy-Metal-Exzesse mit amerikanischen Bands wie Bon Jovi, Mötley Crüe und Poison. In den 1990er Jahren sorgte Marilyn Manson mit einer Glamourmarke, die konservative Amerikaner schockieren sollte, für Kontroversen. 🇺🇸

Glam-Rock-Musik

In seiner allerersten klassischen Inkarnation in Großbritannien, etwa von 1972 bis 1974, entstand dieser Musikstil aus einer Reihe unterschiedlicher musikalischer Trends:

Eine Abkehr von dem, was als die erdrückende Ernsthaftigkeit der Metal-, Prog- und Hardrockbands empfunden wurde, die später den sogenannten „Classic Rock“ bilden sollten.
Eine damit verbundene Liebe zum Retro-Rock and Roll der 50er Jahre mit drei Akkorden, der Aufschwung der Bubblegum-Musik für Teenager in den späten 60er Jahren.
Und eine allgemeine Frauenfeindlichkeit, die durch die Kulturkriege in dieser Zeit ausgelöst wurde.

Der typische britische Glam-Rock-Song war also laut, stampfend, einfach und flamboyant, mit fetten Gitarrenriffs und wiederholten Gesängen, die die Massen zum Mitsingen animierten. Der typische Glamour-Song dieser Zeit beinhaltete auch schwere, tribale Rhythmen und eine Hauptstimme, die zumindest einige Geschlechterunterschiede verwischte. Man beachte andere Künstler, die musikalisch zu abenteuerlustig waren, um sich auf ein einziges Genre festzulegen, die sich ebenfalls am Glamour versuchten, wie Queen, David Bowie, ELO oder Cheap Trick.

Natürlich wurde dies in Amerika aufmerksam zur Kenntnis genommen. Sweet gelang es, in den USA Hits zu haben, und die New York Dolls nahmen sich die Bewegung zu Herzen und veränderten die Rockszene dieser Stadt für den Rest des Jahrzehnts. Zur gleichen Zeit begann Alice Cooper damit, den Stil und die Haltung des Genres in seine eigene, von den Doors inspirierte Mischung aus Goth und Hardrock zu injizieren. 🤘

All dies trug dazu bei, dass Glam zu einer äußerst einflussreichen Bewegung wurde: Die frühen Punks und die New Wavers übernahmen die Anti-Hippie-Haltung und die brutale Einfachheit des Stils. Während Metal- und Hardrockbands, die ein jüngeres und vielfältigeres Publikum ansprechen wollten, begannen, das Genre ebenfalls zu assimilieren. Die populärsten von ihnen – KISS, Van Halen und Aerosmith – hatten mit ihrer bluesigeren und härteren Version des Glamours einen großen Durchbruch im amerikanischen Radio. In den 80er Jahren sollte ihr Erfolg zur Speerspitze der gesamten „Hair-Metal“-Bewegung werden (für die Glam bis heute von vielen Amerikanern leider mit Glam verwechselt wird).

Alben Glam Rock

David Bowies Album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars aus dem Jahr 1972 ist ein perfektes Modell für Glam-Rock in seiner ambitioniertesten Form. Es dreht sich um die Person Ziggy Stardust, einen Musiker vom Mars, der in den letzten fünf Jahren seiner Existenz auf die Erde kam. Ziggys Ruhm war sein Untergang, da er zum Opfer seines eigenen Erfolgs wurde. 👀

Bowie hatte mit seinen Alben in den frühen 1970er Jahren großen Erfolg. Dazu gehörten Alladdin Sane aus dem Jahr 1973, Pin-Ups aus dem Jahr 1973 und Young Americans, die 1975 erschienen. Er war zweifellos der einflussreichste Glamour-Rocker und ist auch heute noch aktiv. Auf seinem Höhepunkt wurde er von einem starken Musikertrio unterstützt, das aus dem Gitarristen Mick Ronson, dem Bassisten Trevor Bolder und dem Schlagzeuger Mick Woodmansey bestand. Ronson schuf besonders kraftvolle Riffs in Songs wie „Rebel Rebel“.

Der Glam-Rock-Stil

Glitterrock ist nicht nur eine Frage der Musik. Es war auch ein Kleidungsstil. Er legte den Schwerpunkt auf unverschämt extravagante Mode: Plateauschuhe, Paillettenanzüge, Frauen-Make-up für die Flashy-Jacken, und viele andere Accessoires, die von der „Norm“ abweichen. ✨ Bowie war der wichtigste Trendsetter, und sein Image war für viele Fans mindestens genauso wichtig wie die Musik selbst. Dennoch hielt er eine gewisse Distanz zu seinem glamourösen Image abseits der Bühne.

Der unverschämte Modestil stand im Gegensatz zu den traditionellen Zwängen, die durch das Geschlecht einer Person bestimmt wurden. Männliche Sänger und Musiker betraten die Bühne mit viel Glitzer, engen Satinkleidern, Eyeliner und generell einer großen Farbvielfalt.

Im Laufe der Jahre wurden die Glam-Rock-Musiker haben die Ästhetik des Genres in immer größere Extreme getrieben, die seine eher bescheidenen Anfänge etwas verdunkelt haben. Es ist eine Revolution, die das Selbst betont und mit Identität, Selbstausdruck und Sexualität experimentiert. Man könnte sagen, dass es beim Glam-Rock eher um Stil und Individualität als um Musik geht. 💃

1973 erschien Elton John mit einer funkelnden orangefarbenen Sonnenbrille, als er Goodbye Yellow Brick Road spielte, was die Leute dazu veranlasste, ihn als Glam-Rock-Stil zu bezeichnen. Das vom Glam Rock inspirierte Bild eines Frontmanns mit langes Haar in ein Mikrofon singt, während sie einen Spandex-Body trägt, ist ihre für jedermann entblößte Brust nun auch der breiten Öffentlichkeit vertraut.

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Top 20 der besten Glam-Rock-Songs

Als junger Rockstar haben wir die 20 besten Glamrock-Songs aller Zeiten für dich ausgewählt. Einige von ihnen sind auf YouTube zu finden, oft mit ultraheißen Clips, wir laden dich ein, selbst zu suchen. 😉

#20) T-Rex, Hot Love – 1971

„Es sollte in dieser Branche eine echte, skrupellose Prostitution geben“, sagte Bowie Ende 1971 dem Magazin Cream. Mit dieser Hommage an Velvet Underground, gesättigt mit Homosexualität und dem schäbigen Manhattan, hat er sein Bestes getan, um dies zu erreichen. Die Gitarre von Mick Ronson macht alles kaputt.

#19) David Bowie, Queen Bitch – 1971

#18) Alice Cooper, School’s Out – 1972

Von Detroit über Los Angeles trugen diese Hardrocker seit 1969 Make-up und Kleider und waren daher für den Glamour-Imperativ gut geeignet. School’s Out war ein primäres Stück auf ihrem Weg nach oben, indem es in den Sommerferien drei Wochen lang auf Platz 1 stand.

#17) Roxy Music, Virginia Plain – 1972

Zusammen mit der ultra-stylischen Performance von Bryan Ferry und Enos weiteren Synthesizer-Schreien kam dieser im Spätsommer 1972 endgültig vom Planeten Mars. Voller Anspielungen auf Pop-Art und Pop-Kultur war Virginia Plain nichts weniger als ein Manifest für eine neue Ära: „Also müssen du und ich, nur wir beide, nach etwas Neuem suchen“. 🧐

#16) Mott The Hoople, All the Young Dudes – 1972

Bowie mag das Rohmaterial geliefert haben, aber Mott lieferte die endgültige Interpretation dieses generationsdefinierenden Songs mit seiner kichernden Referenz an die Beatles und die Stones. Die Musiker kauerten und rollten sich um Ian Hunters harsche Stimme herum: „Oh, ist da Beton ringsum/ Oder ist das alles nur in meinem Kopf“.

#15) Lou Reed, Vicious – 1972

Eine weitere Bowie-Produktion und eine weitere Karriere-Erneuerung. Vicious beginnt Reeds zweites Soloalbum genau so, wie man es sich wünscht, mit dem preisgekrönten Poeten aus Manhattan, der die von Warhol inspirierten Worte ausspuckt: „Vicious: you hit me with a flower“, während Mick Ronson, die Bedrohung des Songs verkörpert. 🔊

#14) David Bowie, Le Génie Jean – 1972

Bowie kehrte mit diesem in die R&B-Ära der 60er Jahre zurück. Es basierte auf dem alten „I’m a Man“-Riff, wurde aber mit Ronsons brummender Gitarre, burlesken Rhythmen und Doppeldeutigkeiten aktualisiert. Die Band legte in dem Jahr eine fantastische Performance hin.

#13) Slade, Cum On Feel the Noize – 1973

Es war ihre vierte Nummer 1 in 18 Monaten, was dem Gitarristen Dave Hill eine Entschuldigung – als ob er sie bräuchte – dafür lieferte, bei Konzerten immer unverschämtere Outfits zu tragen. Ein Refrain und ein Text, die eine direkte Aufforderung sind „to rock, rock, rock“. 😛

#12) Roxy Music, Editions of You – 1973

„For Your Pleasure“, mit dem singenden Model Amanda Lear auf dem Cover, ist eines der wenigen zusammenhängenden Alben aus dieser Zeit. Der Rocker war einer derjenigen, die mit Sätzen wie „Boys will be boys will be boyoyoys“ am stärksten gegen Homophobie kämpften.

#11) Bonnie St Claire, Clap Your Hands and Stamp Your Feet – 1973

Mit seinen eingängigen Melodien und Rock’n’Roll-Wurzeln war der Glamour auf einer Wolke riesig. Und hier ist ein großer holländischer Debütant, mit Chören im Beach-Boys-Stil, Strandklatschen und natürlich den allgegenwärtigen Riffs von Chuck Berry.

#10) T-Rex, 20th Century Boy – 1973

Es hätte jeder von T-Rex‘ vier Hits aus dem Jahr 1972 sein können – insbesondere Metal Guru -, aber es war der härteste von allen. Ein wütender Rocker mit einem heroischen Riff, das für alle sichtbar zeigte, wie sehr Bolan das Wesen des Popruhms verstand.

#9) Iggy and the Stooges, Search and Destroy – 1973

Die Stooges wurden von David Bowie produziert und die Platte klang glamourös, was vor allem an den hohen Tönen und der Gitarre lag. Aber Search and Destroy ging, wie ihr Elternalbum Raw Power, viel weiter und tiefer, als es 1973 kaum jemand erwartet hätte. 😵

#8) New York Dolls, Trash – 1973

Gleichzeitig lächerlich und hart, ungepflegt und hart, bösartig und zärtlich (man höre sich nur diese schwebenden Harmonien einer Mädchenband an). Trash war zusammen mit Jet Boy die große Popbewegung der Dolls..

#7) The Sweet, The Ballroom Blitz – 1973

Die Sweets hatten nach dem Blockbuster Hochkonjunktur und es könnte gut sein, dass es sich hierbei um den Archetyp des Glam-Rock-Songs handelt. Ein stampfender Rhythmus, elektrische Gitarrenriffs und ein gut beherrschter Gesang. Unmöglich zu stoppen und immer spannend: ein Meisterwerk. 🎧

#6) Mud, Dyna-Mite – 1973

Geschrieben von den Sweet svengalis, Nicky Chinn und Mike Chapman, bleibt „Dyna-Mite“ fest in unserer Top-Liste verankert. Lächerliche Leuchtraketen und ein wenig Selbstironie mit einem schlecht gemeisterten Biker-Tanz – die zukünftigen Sex Pistols hatten schon alles von ihrem Talent.

#5) Suzi Quatro, Devil Gate Drive – 1974

Quatro hatte in der Garage einige vergoldete Referenzen. Seine erste Band, die Pleasure Seekers, hatte 1966 What a Way to Die aufgenommen und war zwei Wochen lang die Nummer eins. Er mischt Rock’n’Roll mit einem Hauch von Burundi-Beat und führt das explosive Thema des damaligen Clubs/Ballsaals mit einem Hauch von Autobiografie fort.

#4) Sparks, This Town Ain’t Big Enough for Both of Us – 1974

Die Funken waren der letzte große Glamour-Flash: zart, künstlich, super-hooky und high-concept, mit einer Hardrock-Band und ultra-glänzenden Kleidern. Sie brachten einen Song mit dem Text „you hear the thunder of stampeding rhinos, elephants and tacky tigers“ heraus, bis sie damals Platz 1 der Charts erreichten.

#3) David Bowie, Rebel Rebel US – 1974

Bowie verabschiedete sich von der Jugendbewegung, die er mitbegründet hatte. Mit dem Text „You got your mother in trouble, ‚cause she ain’t sure if you’re a boy or a girl“ (Du hast deine Mutter in Schwierigkeiten gebracht, weil sie sich nicht sicher ist, ob du ein Junge oder ein Mädchen bist) und seiner letzten Top-10-Platzierung in 18 Monaten. Dieser amerikanische Mix enthält verträumte Rückwärtsharmonien, zusätzliche Percussion und eine gephaste Gitarre.

#2) Iron virgin rebels rule – 1974

Fast jede große Glutterrock-Platte war ein Erfolg, aber diese ist eine der besten. Eine abschleifende Sweetarama-Scheibe einer schottischen Band, die die wilde Jugend abhärtete, während sie von Clockwork Orange inspirierte Kostüme trug. Der Sänger trug ein Vorhängeschloss im Schritt mit der Bildunterschrift: „Betreten verboten“. ⛔️

#Nr. 1) Sweet, The Sixteens – 1974

Eine vierminütige Mini-Oper über eine gescheiterte Jugendrevolution und ein Top-10-Hit des Sommers, der die umbenannte Band zeigt. Erhebt sich über die komplexe Struktur des Songs mit einer völlig überzeugenden Performance. The Sixteens ist ein Klassiker der jugendlichen Desillusionierung, der an der Grenze zur Glamrock-Karikatur steht.

Siehe unsere Totenkopf-Sweatshirts

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